Renaixement
De Wikipedia, l'enciclopèdia lliure
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
Renaixement és el nom donat a l'ampli moviment de revitalització cultural que es va produir a Europa Occidental als segles XV i XVI. Els seus principals exponents es troben en el camp de les arts encara que també es va produir la renovació en la literatura i les ciències, tant naturals com a humanes.
El Renaixement és fruit de la difusió de les idees del humanisme, que van determinar una nova concepció de l'home i del món.
El nom Renaixement es va utilitzar perquè aquest va reprendre els elements de la cultura clàssica. El terme simbolitza la reactivació del coneixement i el progrés després de segles de predomini de la mentalitat dogmàtica establerta en l'Europa de la Edat Mitjana. Aquesta nova etapa va plantejar una nova forma de veure el món i l'ésser humà, l'interès per les arts, la política i les ciències, revisant el teocentrismo medieval i substituint-ho per un cert antropocentrisme.
L'historiador i artista Giorgio Vasari havia formulat una idea determinant, el nou naixement de l'art antic, que pressuposava una marcada consciència històrica individual, fenomen completament nou en l'actitud espiritual de l'artista. De fet el Renaixement trenca, conscientment, amb la tradició artística de la Edat Mitjana, a la qual qualifica com un estil de bàrbars, que més tard rebrà el qualificatiu de gòtic. Amb la mateixa consciència, el moviment renaixentista s'oposa a l'art contemporani del Nord d'Europa.
Des d'una perspectiva de l'evolució artística general d'Europa, el Renaixement significa una «ruptura» amb la unitat estilística que fins a aquest moment havia estat «supranacional».
Sobre el significat del concepte de Renaixement i sobre la seva cronologia s'ha discutit moltíssim; generalment amb el terme Humanisme s'indica el procés innovador, inspirat en l'antiguitat clàssica i en la consolidació de la importància de l'home en l'organització de la realitat històrica i natural, que es va aplicar als segles XIV i XV.
El Renaixement no va ser un fenomen unitari des del punt de vista cronològic i geogràfic. El seu àmbit es limita a la cultura europea i als territoris americans recentment descoberts, on les novetats renaixentistes van arribar tardanament. El seu desenvolupament coincideix amb l'inici de la Edat Moderna, marcada per la consolidació dels estats europeus, els viatges transoceànics que van posar en contacte a Europa i Amèrica, la descomposició del feudalisme i l'inici d'un incipient capitalisme. No obstant això, molts d'aquests fenòmens depassen per la seva magnitud i major extensió en el temps l'àmbit renaixentista.
Contingut |
Desenvolupament
Històricament, el Renaixement va ser contemporani de l'Era dels Descobriments i les conquestes ultramarines. Aquesta «Era» marca el començament de l'expansió mundial de la cultura europea, amb els viatges portuguesos i el descobriment d'Amèrica per part dels espanyols, la qual cosa trenca la concepció medieval del món, fonamentalment teocéntrica. El fenomen renaixentista comença al segle XIV i no abans, encara que en tractar-se d'un procés històric, es tria un moment arbitràriament per determinar cronològicament el seu començament, però la veritat és que es tracta d'un procés que enfonsa les seves arrels en l'alta Edat Mitjana i va prenent forma gradualment.
El desmembramiento de la cristiandat amb el sorgiment de la Reforma protestant, la introducció de la impremta, entre 1460 i 1480, i la consegüent difusió de la cultura van ser un dels motors del canvi. El determinant, no obstant això, d'aquest canvi social i cultural va ser el desenvolupament econòmic europeu, amb els primers besllums del capitalisme mercantil. En aquest clima cultural de renovació, que paradoxalment buscava els seus models en la Antiguitat Clàssica, va sorgir a principis del segle XV un renaixement artístic a Itàlia, d'embranzida extraordinària, que s'estendria immediatament per Hongria i a altres nacions d'Europa.
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
L'artista va prendre consciència d'individu amb valor i personalitat propis, es va veure atret pel saber i va començar a estudiar els models de l'antiguitat clàssica alhora que investigava noves tècniques (clarobscur en pintura, per exemple). Es desenvolupen enormement les formes de representar la perspectiva i el món natural amb fidelitat; interessen especialment la anatomia humana i les tècniques de construcció arquitectònica. El paradigma d'aquesta nova actitud és Leonardo da Vinci, personalitat eminentment renaixentista, qui va dominar diferents branques del saber, però de la mateixa manera Miguel Ángel Buonarroti, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli i Bramante van ser artistes commoguts per la imatge de l'Antiguitat i preocupats per desenvolupar noves tècniques escultòriques, pictòriques i arquitectòniques, així com per la música, la poesia i la nova sensibilitat humanística. Tot això va formar part del renaixement en les arts a Itàlia.
Mentre sorgia a Florència l'art del Quattrocento o primer Renaixement italià, així cridat per desenvolupar-se durant els anys de 1400 (segle XV), gràcies a la recerca dels cànons de bellesa de la Antiguitat i de les bases científiques de l'art, es va produir un fenomen semblant i simultani en Flandes (especialment en pintura), basat principalment en l'observació de la vida i la naturalesa i molt lligat a la figura de Tomás de Kempis i la «devotio moderna», la recerca de la humanitat de Crist. Aquest Renaixement nòrdic, conjugat amb l'italià, va tenir gran repercussió en l'Europa Oriental (la fortalesa moscovita del Kremlin, per exemple, va ser obra d'artistes italians).
La segona fase del Renaixement, o Cinquecento (segle XVI), es va caracteritzar per l'hegemonia artística de Roma, que els seus Papas (Julio II, León X, Clement VII i Pablo III) (alguns d'ells pertanyents a la família florentina dels Médici) van recolzar fervorosament el desenvolupament de les arts, així com la investigació de l'Antiguitat Clàssica. No obstant això, amb les guerres de Itàlia molts d'aquests artistes, o els seus seguidors, van emigrar i van aprofundir la propagació dels principis renaixentistes per tota Europa Occidental.
Durant la segona meitat del segle XVI va començar la decadència del Renaixement, que va caure en un rígid formalisme, i després del Manierisme va deixar pas al Barroc.
Etapes de l'art renaixentista
Diferents etapes històriques marquen el desenvolupament del Renaixement:
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
La primera té com a espai cronològic tot el segle XV, és el denominat Quattrocento, i comprèn el Renaixement primerenc que es desenvolupa a Itàlia.
La segona, afecta al segle XVI, es denomina Cinquecento, i el seu domini artístic queda referit al Classicisme o Renaixement ple, que se centra a la primera cambra del segle. En aquesta etapa sorgeixen les grans figures del Renacimento en les arts: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. És l'apogeu de l'art renaixentista. Aquest període desemboca cap a 1520-1530 en una reacció anticlásica que conforma el Manierisme, que dura fins al final del segle XVI.
Mentre que a Itàlia s'estava desenvolupant el Renaixement, en la resta d'Europa es manté el Gòtic en les seves formes tardanes, situació que es va a mantenir, exceptuant casos concrets, fins a començaments del segle XVI.
A Itàlia l'enfrontament i convivència amb l'Antiguitat Clàssica, considerada com un llegat nacional, va proporcionar una àmplia base per a una evolució estilística homogènia i de validesa general. Per això, allí, és possible el seu sorgiment i precedeix a totes les altres nacions.
Fora d'Itàlia, el desenvolupament del Renaixement dependrà constantment dels impulsos marcats per Itàlia. Artistes importats des d'Itàlia o formats allí, fan el paper de veritables transmissors. Monarques com Francisco I a França o Carlos V i Felipe II a Espanya imposen el nou estil en les construccions que patrocinen, influint en els gustos artístics predominants i convertint el Renaixement en una moda. En el cas d'Hongria, el tron es trobava ocupat pel rei Matías Corvino (1443–1490), qui va copiar els patrons italians renaixentistes i els va estendre per aquest regne. Va fundar la Bibliotheca Corvinniana, després en 1472 va crear la primera impremta hongaresa, i igualment va omplir la cort hongaresa d'astrólogos, artistes i escriptors italians en general. Igualment el rei Matías va fer reconstruir a l'estil renaixentista el Palacio de Buda, situat en l'actual Budapest.
Els supòsits històrics que van permetre desenvolupar el nou estil es remunten al segle XIV quan, amb el Humanisme, progressa un ideal individualista de la cultura i un profund interès per la literatura clàssica, que acabaria dirigint, forçosament, l'atenció sobre les restes monumentals clàssiques.
Itàlia en aquest moment està integrada per una sèrie d'estats entre els quals destaquen Venècia, Florència, Milà i els Estats Pontificis. La pressió que s'exerceix des de l'exterior, sobretot per part de França i Espanya, va impedir que, com en altres nacions, es desenvolupés la unió dels regnes o estats; no obstant això, sí es va produir l'enfortiment de la consciència cultural dels italians. Des d'aquests supòsits van ser les ciutats, concebudes com a ciutats-estat, les que es converteixen en centres de renovació artística.
A Florència el desenvolupament d'una rica burgesia ajuda al desplegament de les forces del Renaixement, la ciutat es converteix en punt de partida del nou estil, i sorgeixen, sota la protecció dels Médicis, les primeres obres que des d'aquí es van a estendre a la resta d'Itàlia.
Arts plàstiques a Itàlia
Arquitectura
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
L'arquitectura renaixentista va tenir un caràcter marcadament profà en comparació de l'època anterior i, lògicament, sorgirà en una ciutat on el Gòtic amb prou feines havia penetrat, Florència. Malgrat això, moltes de les obres més destacades seran edificis religiosos.
Amb el nou gust, es busca ordenar i renovar els vells burgs medievals i fins i tot es projecten ciutats de nova planta. La recerca de la ciutat ideal, oposada al model caòtic i desordenat del medievo, serà una constant preocupació d'artistes i mecenes. Així, el papa Pío II reordena la seva ciutat natal, Pienza, convertint-la en un autèntic mostrari del nou urbanisme renaixentista. En si, les ciutats es convertiran en l'escenari ideal de la renovació artística, oposant-se al concepte medieval en el qual el rural tenia un paper preferent gràcies al monacato.
En prendre elements de l'arquitectura clàssica, els arquitectes renaixentistes ho fan de forma selectiva, així per exemple en lloc d'utilitzar la columna dòrica clàssica es preferirà el ordre toscà. Igualment es creen formes noves, com la columna abalaustrada, nous ordres de capitells o decoracions que si bé s'inspiren en l'Antiguitat han d'adaptar-se a l'ús religiós de les esglésies. Així, els amorcillos clàssics que acompanyaven a Venus en les representacions gregues o romanes passen a ser angelotes (putti). Els arquitectes empren les proporcions modulars i la superposició d'ordres que apareixia als edificis romans; les cúpules s'utilitzaran molt com a element monumental en esglésies i edificis públics. A partir d'aquest moment, l'arquitecte abandona el cárácter gremial i anònim que havia tingut durant l'Edat Mitjana, i es converteix en un intel·lectual, un investigador. Molts d'ells van escriure tractats i obres especulatives de gran transcendència, com el cas de Leon Battista Alberti o Sebastiano Serlio.
Els elements constructius més característics de l'estil renaixentista seran:
Estructurals: Arc de mig punt, columnes, cúpula semiesfèrica, volta de canó i coberta plana amb casetones. Tots ells havien estat usats en l'Antiguitat, especialment per l'art romà, i es recuperen ara, modificant-los. Decau paulatinament el tradicional mètode de construcció del Gòtic, abandonant-se en gran mesurada les voltes de crucería, l'arc apuntat, les naus escalonades, i sobretot la impressió de colosalismo i multiplicitat dels edificis medievals. Predominaran ara valors com la simetria, la claredat estructural, la senzillesa, i sobretot, l'adaptació de l'espai a la mesura de l'home.
Decoratius: Pilastras, frontons, pòrtics, motius heràldics, encoixinats, volutes, grutescos, garlandes, motius de candelieri (candelabros o pebeteros) i tondos o medallons. Alguns d'aquests ja s'havien utilitzat en el Gòtic, uns altres són creacions originals i la majoria s'inspiren en models romans i grecs. Quant a la decoració el Renaixement preconitza el despojamiento, l'austeritat, l'ordre. Només a la fi del segle XVI aquesta tendència es trencarà en favor de la fantasia i la riquesa decorativa amb el Manierisme.
Per etapes, es poden distingir dos grans moments:
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
- En el Quattrocento va ser freqüent recórrer a columnes i pilastres adossades, als capitells clàssics (amb preferència el corinti, encara que substituint els caulículos per figures fantàstiques o d'animals), fustos llisos i gairebé omnipresencia de l'arc de mig punt. S'usa també la volta de canó i d'aresta, i cobertes de fusta amb casetones. El que fonamentalment distingeix a l'arquitectura del Quattrocento de la de l'Alt Renaixement és la decoració quina (putti, garlandes de flors o fruits, grutescos, etc.), les cúpules amb nervis, amb certs resabios gòtics (catedral de Florència, de Filippo Brunelleschi) i les façanes simètriques de pisos superposats (Palacio Medici−Riccardi, de Michelozzo vaig donar Bartolommeo) o amb carreus encoixinats (Palacio Rucellai, de Bernardo Rossellino, projecte d'Alberti, Palacio Pitti). En general, l'arquitectura cuatrocentista fa l'efecte d'ordre, senzillesa, lleugeresa i simetria, predominant a l'interior dels edificis la lluminositat i la nuesa. Els arquitectes més destacats d'aquest període són Brunelleschi, Michelozzo, Leon Battista Alberti, i la principal obra serà la Catedral de Santa María de la Flor, de Florència, i la seva famosa cúpula.
- El Cinquecento, Renaixement ple o Alt Renaixement va tenir com a centre Roma: En 1506 Donato d'Angelo Bramante acabava el seu cèlebre projecte per a la basílica de Sant Pere en el Vaticà, que serà l'edifici que marqui la pauta en el restant del segle XVI. En aquesta etapa, els edificis tendeixen més a la monumentalitat i la grandiositat. Miguel Ángel introdueix el ordre gegant en el seu projecte per a la basílica, la qual cosa trenca amb el concepte de arquitectura feta a la mesura de l'home. Els palaus s'adornen amb elaborats baix relleus (Palacio Grimani de Venècia, 1549, obra de Michele Sanmicheli) o d'escultures exemptes (Biblioteca de Sant Marcos,1537–50, Venècia, obra de Jacopo Sansovino). Predominarà d'aquesta manera la idea de riquesa, monumentalitat i luxe en les construccions. A mesura que avança el segle el Manierisme s'introdueix en l'arquitectura, amb edificis cada vegada més suntuosos, rebuscadas decoracions i elements que pretenen captar l'atenció de l'espectador per la seva originalitat o extravagancia (Palazzo del Tè, a Màntua, per Giulio Romano). Podem distingir, d'aquesta manera, com en les altres disciplines artístiques, dos períodes: el Classicisme de principis de segle, amb autors com Bramante, Miguel Ángel, Antonio dóna Sangallo el Vell, Jacopo Sansovino, i el manierisme que es dóna a partir de 1630, sent els seus principals autors Andrea Palladio, Giorgio Vasari, Giulio Romano, Jacopo Vignola, Vincenzo Scamozzi. Cal apuntar que la ruptura del Manierisme no va ser radical lloc que ja en l'obra de Miguel Ángel apareixen elements que la preludian.
Pintura
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
En pintura, les novetats del Renaixement s'introduiran de forma gradual però irreversible a partir del segle XV. Un antecedent de les mateixes va ser Giotto (1267?-1337), pintor encara dins de l'òrbita del Gòtic, però que va desenvolupar en les seves pintures conceptes com a volum tridimensional, perspectiva, naturalisme, que allunyen la seva obra de les rígides maneres de la tradició bizantina i gòtica i preludian el Renaixement pictòric.
En el Quattrocento (segle XV), es recullen totes aquestes novetats i s'adapten a la nova mentalitat humanista i burgesa que s'expandia per les ciutats-estat italianes. Els pintors, àdhuc tractant temes religiosos la majoria d'ells, introdueixen també en les seves obres la mitologia, l'al·legoria i el retrat, que es desenvoluparà a partir d'ara enormement. Una recerca constant dels pintors d'aquesta època serà la perspectiva, objecte d'estudi i reflexió per a molts artistes: es va tractar d'arribar a la il·lusió d'espai tridimensional d'una forma científica i reglada. La pintura cuatrocentista és una època d'experimentació; les pintures abandonen lenta i progressivament la rigidesa gòtica i s'aproximen cada vegada més a la realitat. Apareix la naturalesa retratada en els fons de les composicions, i s'introdueixen els nus en les figures. Els pintors més destacats d'aquesta època seran: a Florència, Fra Angèlic, Masaccio, Benozzo Gozzoli, Piero della Francesca, Filippo Lippi, Paolo Uccello. En Ombria, Perugino. A Pàdua, Mantegna, i a Venècia Giovanni Bellini. Per sobre de tots ells destaca Sandro Botticelli, autor d'al·legories, delicades Madonnas i assumptes mitològics. El seu estil dolç, molt atent a la bellesa i sensibilitat femenines, i predominantment dibujístico, caracteritzen l'escola florentina de pintura i tota aquesta època. Altres autors del Quattrocento italià són Andrea del Castagno, Antonio Pollaiuolo, il Pinturicchio, Domenico Ghirlandaio, Cim dóna Conegliano, Lucca Signorelli, Cosme Tura, Vincenzo Foppa, Alessio Baldovinetti, Vittore Carpaccio, i en el sud de la península, Antonello dóna Messina.
El Cinquecento (segle XVI) va ser l'etapa culminant de la pintura renaixentista, i denominada per això de vegades com a Classicisme. Els pintors assimilen les novetats i l'experimentació cuatrocentistas i les porten a nous cims creatius. En aquest moment apareixen grans mestres, el treball dels quals servirà de model als artistes durant segles.
El primer d'ells va ser Leonardo da Vinci (1452-1519), un dels grans genis de tots els temps. Va ser l'exemple més acabat d'artista multidisciplinari, intel·lectual i obsessionat amb la perfecció, que li va portar a deixar moltes obres inconclusas o en projecte. Poc prolífic en la seva faceta pictòrica, va aportar no obstant això moltes innovacions que van conduir a la història de la pintura cap a nous rumbs. Potser la seva principal aportació va ser el sfumato o clarobscur, delicada gradació de la llum que atorga a les seves pintures una gran naturalitat, alhora que ajuda a crear espai. Estudiava acuradament la composició de les seves obres, com en la molt difosa Últim Sopar, on les figures s'ajusten a un esquema geomètric. Va saber unir en els seus treballs la perfecció formal a certes dosis de misteri, present, per exemple, en la celebérrima Gioconda, La Verge de les Roques o el Sant Joan Baptista.
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
Miguel Ángel (1475-1564) és la segona, cronològicament, gran figura. Fonamentalment escultor, es va dedicar a la pintura de forma esporàdica, a petició d'alguns admiradors de la seva obra, sobretot el papa Julio II. Els frescs de la Capella Sixtina mostren el turmentat món interior d'aquest artista, poblat de figures monumentals, sòlides i tridimensionals com si fossin escultures, i de cridanera presència física. En la seva obra cobra molta importància el nu, tot i que la gairebé totalitat de la mateixa va ser feta per decorar esglésies.
Rafael Sanzio (1483-1520) completa la tríade de genis del Classicisme. El seu estil va tenir un enorme èxit i es va posar de moda entre els poderosos. La pintura de Rafael busca abans de res la grazia, o bellesa equilibrada i serena. Els seus Madonnas recullen les novetats de Leonardo pel que fa a composició i clarobscur, afegint una característica dolçor. Anticipa clarament la pintura manierista en les seves últimes obres, l'estil agitat de les quals i dramàtic copiaran i difondran els seus deixebles.
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
Amb l'aparició d'aquests tres grans mestres, els artistes contemporanis assumeixen que l'art ha arribat al seu culmen (concepte recollit en l'obra de Giorgio Vasari, Les Vides) i s'afanyaran per tant a incorporar aquests assoliments, d'una banda, i en la recerca d'un estil propi i original com a forma de superar-los. Ambdues coses, juntament amb l'ambient pessimista que es respirava en la Cristiandat en la dècada de 1520 (Saco de Roma, Reforma protestant, guerres), va fer sorgir amb força a partir dels anys 30 del segle XVI un nou corrent, el Manierisme. Es buscarà a partir de llavors l'extravagant, el cas estrany, l'exagerat i l'irreal. Pertanyen al corrent pictòric Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Rosso Fiorentino o Francesco Salviati. Altres autors prendran algunes novetats manieristas però seguint una línia més personal i clasicista. Entre ells podem citar a Sebastiano del Piombo, Correggio, Andrea del Sarto o Federico Barocci.
Dins de les diferents escoles que sorgeixen a Itàlia en el Cinquecento, la de Venècia presenta especials característiques. Si els florentinos posaven l'accent en el disegno, és a dir, en la composició i la línia, els pintors venecians se centraran en el color. Les especials característiques de l'estat venecià poden explicar una mica d'aquesta particularitat, ja que es tractava d'una societat elitista, amant del luxe i molt relacionada amb Orient. L'escola veneciana reflectirà això mitjançant una pintura refinada, hedonista, menys intel·lectual i més vital, molt decorativa i colorista. Precursors de l'escola veneciana del Cinquecento van ser Giovanni Bellini i, sobretot, Giorgione, pintor al·legories, paisatges i assumptes religiosos malenconiosos i misteriosos. Deutor del seu estil va ser Tiziano (1476?-1576), el major pintor d'aquesta escola, excel·lent retratista, potser el més demandat del seu temps; autor de complexes i realistes composicions religioses, plenes de vida i colorit. En l'última etapa de la seva vida desfà els contorns de les figures, convertint els seus quadres en pures sensacions de llum i color, bestreta del Impressionisme. Tintoretto, Paolo Veronese i Palma el Vell continuaran aquesta escola portant-la cap al Manierisme i anticipant en certa manera la pintura Barroca.
Escultura
Com en les altres manifestacions artístiques, els ideals de tornada a l'Antiguitat, inspiració en la naturalesa, humanisme antropocèntric i idealisme van ser els que van caracteritzar l'escultura d'aquest període. Ja el Gòtic hi havia preludiado en certa manera alguns d'aquests aspectes, però algunes troballes arqueològiques (el Laocoonte, trobat en 1506, o el Tors Belvedere) que es van donar en l'època van suposar una autèntica commoció per als escultors i van servir de model i inspiració per a les noves realitzacions.| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
Els dos segles que dura el Renaixement a Itàlia donaran lloc, igual que en les altres arts, a dues etapes:
- Quattrocento (segle XV): El centre escultòric principal serà Florència, on la família Médicis i amb posterioritat la República exerciran de mecenes de nombroses obres. Lorenzo el Magnífic era aficionat a les escultures gregues i romanes i havia format una interessant col·lecció de les mateixes, posant de moda el gust clàssic. Els autors més destacats de l'època seran Lorenzo Ghiberti (Porta del Paradís del Baptisteri de Florència), Andrea Verrocchio (Monument al condotiero Colleoni), Donatello, el taller dels germans Della Robbia, que introdueixen la ceràmica vidriada i policromada com a novetat, utilitzant-la en decoracions d'edificis, Jacopo della Quercia, Desiderio dóna Settignano i Bernardo Rossellino.
El més important d'ells és Donatello (1386-1466), gran creador que partint dels supòsits del Gòtic estableix un nou ideal inspirat en la grandesa clàssica. Seu és el mèrit de rescatar el monument commemoratiu públic (el seu Condotiero Gattamelata, és una de les primeres estàtues ecuestres de bronze des de l'Antiguitat), la utilització heroica del nu (David) i la intensa humanització de les figures, arribant al retrat en ocasions, però sense abandonar mai una orientació clarament idealista.
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
- Cinquecento (segle XVI). Aquesta època està marcada per l'aparició estel·lar d'un dels escultors més genials de tots els temps, Miguel Ángel Buonarrotti (1475-1564). Fins a tal punt va marcar l'escultura de tot el segle, que molts dels seus continuadors no van ser capaços de recollir totes les seves novetats i aquestes no es desenvoluparan fins a diversos segles després.
Miguel Ángel va ser, com a punts altres en aquesta època, un artista multidisciplinari. No obstant això, ell es considerava preferentment escultor. En les seves primeres obres recull l'interès arqueològic sorgit a Florència: així, el seu Bacus embriac va ser realitzat amb intenció que aparentés ser una escultura clàssica. Igual esperit s'aprecia en la Pietat, realitzada entre 1498-99 per a la Basílica Vaticana. Protegit primer pels Médicis, pels quals crea les Tombes Mediceas, superb exemple d'expressivitat, marxarà després a Roma on col·laborarà en els treballs de construcció de la nova Basílica. El pontífex Julio II ho pren sota la seva protecció i li encomana la creació del seu Mausoleu, denominat per l'artista com "la tragèdia de la sepultura" pels canvis i demores que va sofrir el projecte. En les escultures fetes per a aquest sepulcre, com el cèlebre Moisés, apareix el que s'ha vingut denominant terribilitá miguelangelesca: una intensa alhora que continguda emoció que es manifesta en anatomies sufrientes, exagerades i nervioses (músculs en tensió), postures contorsionadas i escorços molt rebuscados. Els rostres, no obstant això, solen mostrar-se continguts. En les seves obres finals l'artista menysprea de la bellesa formal de les escultures i les deixa inacabades, avançant un concepte que no tornaria a l'art fins al segle XX. Miguel Ángel continua amb la tradició de monuments públics heroics i profans que va iniciar Donatello i la porta a una nova dimensió amb el seu conegut David, esculpit per la Piazza della Signoria de Florència.
En els anys finals de la centúria, la petjada de Miguel Ángel té les seves rèpliques en Benvenuto Cellini (Perseo de la Loggia dei Lanzi de Florència, espai concebut com a museu d'escultura a l'aire lliure), Bartolomeo Ammannati, Giambologna i Baccio Bandinelli, que exageraran els elements més superficials de l'obra del mestre, situant-se plenament tots ells en el corrent manierista. Destaca en aquesta època també la saga familiar dels Leoni, broncistas milanesos al servei dels Habsburgo espanyols, autèntics creadors de la imatge àulica, una miqueta estereotipada, d'aquests monarques. La seva presència a Espanya portarà allí de primera mà les novetats renaixentistes, estenent el seu influx fins a l'escultura barroca.
Renaixement espanyol
A Espanya el canvi ideològic no és tan extrem com en altres països; no es trenca abruptament amb la tradició medieval, per això es parla d'un Renaixement espanyol més original i variat que en la resta d'Europa. Així, la literatura accepta les innovacions italianes (Dante i Petrarca), però no oblida la poesia del Cancioner i la tradició anterior. Com a síntesi del Renaixement i preludi del Barroc, la literatura comptarà amb la figura cabdal de Miguel de Cervantes (segles XVI–XVII).
Quant a les arts plàstiques, el Renaixement hispà va barrejar elements importats d'Itàlia (d'on van arribar alguns artistes, com Paolo de Sant Leocadio, Pietro Torrigiano o Domenico Fancelli) amb la tradició local, i amb alguns altres influxos (el flamenc, per exemple, estava molt de moda en l'època per les intenses relacions comercials i dinàstiques que unien aquests territoris a Espanya). Les innovacions renaixentistes van arribar a Espanya de forma molt tardana; fins a la dècada de 1620 no es troben exemples acabats de les mateixes en les manifestacions artístiques, i tals exemples són dispersos i minoritaris. No arriben a Espanya plenament, doncs, els ressons del Quattrocento italià (només per obra de la família Borgia apareixen artistes i obres d'aquesta època a l'àrea llevantina), la qual cosa determina que l'art renaixentista espanyol passada gairebé abruptament del Gòtic al Manierisme.
En el camp de l'arquitectura, tradicionalment es distingeixen tres períodes: Plateresc (segle XV-primera cambra del segle XVI), Purisme o estil italianizante (primera meitat del XVI) i estil Herreriano (a partir de 1559-intervinguts del segle següent). En el primer d'ells, el renaciente apareix de forma superficial, en la decoració de les façanes, mentre que l'estructura dels edificis segueix sent gotizante en la majoria dels casos. El més característic del Plateresc és un tipus de decoració menuda, detallista i abundant, semblant a la labor dels plateros (d'on deriva el nom). El nucli fonamental d'aquest corrent va ser la ciutat de Salamanca, la Universitat i la seva façana són el paradigma de l'estil; arquitectes destacats del mateix van ser Rodrigo Gil d'Hontañón i Juan d'Àlaba. El Purisme representa una fase més avançada de la italianización de l'arquitectura. El palau de Carlos V en l'Alhambra de Granada, obra de Pedro de Matxuca, és exemple d'això. El focus principal d'aquest estil es va situar a Andalusia, on a més del citat palau van destacar els nuclis de Úbeda i Baeza i arquitectes com Andrés de Vandelvira i Diego de Siloé. Finalment, apareix el estil Escurialense o Herreriano, original adaptació del Manierisme romà caracteritzada per la nuesa i el gigantisme arquitectònic. L'obra fonamental serà el palau-monestir de L'Escorial, traçat per Juan Baptista de Toledo i Juan d'Herrera, sens dubte l'obra més ambiciosa del Renaixement hispà. L'escurialense va traspassar el llindar cronològic del segle XVI arribant amb gran vigència a l'època barroca.
En escultura, la tradició gòtica va mantenir la seva hegemonia durant bona part del segle XVI. Els primers ressons del nou estil corresponen en general a artistes vinguts de fora, com Felipe Vigarny o Domenico Fancelli, que treballarà al servei dels Reis Catòlics, esculpint el seu sepulcre (1517). No obstant això, aviat sorgiran artistes locals que assimilen les novetats italianes, adaptant-les al gust hispà, com Bartolomé Ordóñez i Damián Forment. En una fase més madura de l'estil sorgeixen grans figures, creadores d'un peculiar Manierisme que asseurà les bases de la posterior escultura barroca: Juan de Juni i Alonso Berruguete són els més destacats.
La pintura renaixentista espanyola està determinada igualment pel pols que manté l'herència del Gòtic amb les noves maneres vingudes d'Itàlia. Aquesta dicotomia s'aprecia en l'obra de Pedro Berruguete, que va treballar en Urbino al servei de Federico de Montefeltro, i Allunyo Fernández. Posteriorment apareixen artistes coneixedors de les novetats italianes coetànies, com Vicente Macip o el seu fill Juan de Juanes, influïts per Rafael; Luis de Morales, Juan Fernández de Navarrete o els leonardescos Fernando Yáñez i Hernando dels Plans. Però la gran figura del Renacimento espanyol, i un dels pintors més originals de la Història, s'inscriu ja en el Manierisme, encara que depassant els seus límits en crear un univers estilístic propi: El Greco (1541-1614).
Renaixement alemany
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
El Renaixement artístic no va ser a Alemanya una temptativa de resurrecció de l'art clàssic, sinó una renovació intensa de l'esperit germànic, motivat per la Reforma protestant.
Alberto Durero (1471-1528), va ser la figura dominant del Renaixement alemany. La seva obra universal, que ja en vida va ser reconeguda i admirada en tota Europa, va imposar l'empremta de l'artista modern, unint la reflexió teòrica amb la transició decisiva entre la pràctica medieval i l'idealisme renaixentista. Les seves pintures, dibuixos, gravats i escrits teòrics sobre art van exercir una profunda influència en els artistes del segle XVI del seu propi país i dels Països Baixos. Durero va comprendre la imperiosidad d'adquirir un coneixement racional de la producció artística, i va introduir l'idealisme de raigambre italiana en l'art alemany.
La pintura germànica va conèixer en aquest època un dels seus majors moments d'esplendor. Al costat de la figura fonamental de Durero van sorgir altres grans autors, com Lucas Cranach el Vell, pintor per antonomàsia de la Reforma protestant; Hans Baldung Grien, introductor de temàtiques sinistres i noves, deutores en certa manera de l'art medieval; Matthias Grünewald, un dels precursors de l'expressionisme; Albrecht Altdorfer, excel·lent paisatgista, o Hans Holbein el Jove, que va desenvolupar gairebé tota la seva producció, centrada en el retrat, a Anglaterra.
Després de la Reforma, el mecenatge de la noblesa alemanya es va centrar en primer lloc en l'arquitectura, per la capacitat d'aquesta per mostrar el poder i prestigi dels governants. Així, a mitjan el segle XVI s'àmplia el castell de Heidelberg, seguint les directrius clàssiques. No obstant això, la majoria dels prínceps alemanys van preferir conservar les obres gòtiques, limitant-se a decorar-les amb ornamentació renaixentista.
Els emperadors Habsburgo i la família Fugger van ser els més importants mecenes, destacant-se per la seva protecció a grans figures com Johannes Kepler i Tycho Brahe.
Renaixement en Flandes i els Països Baixos
Vegeu també: Primitius flamencs
A l'una que es desenvolupava a Itàlia el Cinquecento Italià, la Escola Flamenca de pintura va aconseguir un desenvolupament notable, com a hereva i continuadora de la tradició tardogótica anterior representada per Jan van Eyck, Roger van der Weyden i uns altres grans mestres. Es va caracteritzar pel seu naturalisme, tret que comparteix amb els mestres italians. Les maneres del Gòtic van perviure amb major força, encara que matisats amb característiques singulars, com certa vena caricaturesca i fantàstica i una major sensibilitat a la realitat del poble pla i els seus costums. Es recull aquest interès en obres de caràcter menys idealitzat que les italianes, amb una marcada tendència pel detallismo gairebé microscòpic que apliquen a les representacions (influx dels mestres tardogóticos ja esmentats i la Miniatura), i tendència cap al decoratiu, sense massa interès per disquisicions teòriques. A mitjan el segle XVI el Classicisme italià entra amb força en la pintura flamenca, manifestant-se en la trucada "Escola d'Anvers" i en pintors com Jan van Scorel o Mabuse, alguns dels quals van romandre a Itàlia estudiant als grans mestres. A la difusió dels nous models va contribuir en gran manera el gravat, que va posar a l'abast de prácticamene qualsevol artista les obres produïdes en altres escoles i llocs, posant molt de moda en tota Europa l'estil italianizante. Alguns grans noms de l'època van ser Joachim Patinir, un dels creadors del paisatge com a gènere autònom de la pintura, encara que apegat encara al Gòtic; Quintín Metsys, que es va inspirar en els dibuixos caricaturescos de Leonardo i en les classes populars per retratar vicis i costums; el retratista Antonio Moro; el Bosco, un dels pintors més originals de la història, apegat formalment a la tradició de la vella escola flamenca; però alhora innovador, creador d'un univers fantàstic, gairebé oníric que ho situen com un dels precedents del Surrealisme; i Pieter Brueghel el Vell, un dels grans mestres del paisatge i els costums populars, potser el més modern de tots ells, tot i que en la seva pintura glossi sentències morals i de crítica social que tenen una mica de medieval.
En el camp de l'escultura, va destacar Adriaen de Vries, autor d'expressives obres (generalment de bronze) en les quals el moviment, la línia ondada o serpentinata i el nu heroic les caracteritzen com a excel·lents exemples de manierisme escultòric fora d'Itàlia.
Renaixement a França
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
.jpg){kind=small}
A França, la influència italiana es va deixar sentir des de molt primerenc, afavorida per la proximitat geogràfica, els vículos comercials i la monarquia, que ambicionava annexionar els territoris limítrofs de la península italiana, i ho va aconseguir en alguns moments. No obstant això, l'impuls definitiu a l'adopció de les formes renaixentistes es va donar sota el regnat (1515-1547) de Francisco I. Aquest monarca, gran mecenes de les arts i aficionat a tot el que procedís d'Itàlia, va protegir a importants mestres, sol·licitant els seus serveis per a la Cort francesa (entre ells el mateix Leonardo da Vinci, que va morir al Castillo de Cloux), alhora que va emprendre un ambiciós programa de revitalització cultural que va revolucionar el desenvolupament de les arts al país. Convé tenir present que França va ser el bressol del Gòtic i que per tant aquest estil estava fortament arrelat i podia ser vist com un estil nacional. Per aquest motiu les formes gòtiques continuessin presents durant un temps, malgrat el nou estil imposat per la Cort.
Quant a l'arquitectura, la monarquia, enfortida i en període d'expansió territorial, havia patrocinat ja des del segle XV la remodelació dels vells chateaux medievals i la creació de noves residències més concordes amb els temps. Però va anar precisament Francisco I el que va donar un impuls definitiu a aquesta operació renovadora, que va tenir diversos focus. El primer edifici renaixentista a França va ser el Castell de Saint-Germain-en-Laye, imponent fortalesa de maó i pedra en la qual apareixen petits detalls renacientes, dins d'una general sobrietat d'aire militar. D'estil més avançat seran els Castells del Valle del Loira, conjunt de mansions per a la reialesa i la noblesa que mostren els trets més característics del Renaixement francès: decorativismo de raigambre manierista, records goticistas en les estructures, i potser el més nou: una perfecta integració dels edificis en la naturalesa circumdant, com es veu en el grácil pont del Castell de Chenonceau. El més cèlebre dins d'aquest conjunt és el Castell de Chambord, que presenta grans audàcies estilístiques, com una escala interna helicoïdal. Altres exemples d'aquestes residències suburbanes són els castells de Amboise, Blois i Azay-li-Rideau.
A més de totes aquestes realitzacions, Francisco I es va embarcar en la qual potser va ser l'obra fonamental d'aquest període: el Palau de Fontainebleau, vella mansió dels reis francesos que es renovarà totalment. A l'edifici en si, s'aprecia ja el triomf de les formes italianes, encara que adaptades al gust francès amb les seves típiques xemeneies i mansardas. Inclou fragments de desbordant creativitat, com la cèlebre escala imperial, bestreta de solucions barroques. No obstant això, potser el més destacat del projecte va ser que va involucrar a creadors de pràcticament totes les disciplines artístiques, alguns vinguts expressament d'Itàlia com els pintors Francesco Primaticcio o Rosso Fiorentino, el famós escultor Benvenuto Cellini, o l'arquitecte Sebastiano Serlio, important autor de tractats d'arquitectura del que amb prou feines es coneixen obres excepte aquest palau. Les novetats que es van forjar aquí trapasarían l'àmbit local i donarien origen a tot un estil, el estil de Fontainebleau, un manierisme refinat al servei dels gustos aristocràtics.
Després de Francisco I, les formes a la italiana van acabar imposant-se definitivament en l'arquitectura sota Enrique II, l'esposa de la qual pertanyia a la família florentina més poderosa (Catalina de Médicis). Sota el seu mandat (1547-1559) es va reformar l'antiga seu de la Cort a París, el Palau del Louvre, convertint-ho en un modern edifici d'estètica plenament manierista. La reforma va ser dirigida per un dels arquitectes francesos més destacats del moment, Pierre Lescot, que va dissenyar el gran pati central (Cour Carrée), amb característiques façanes en les quals utilitza el mòdul d'arc de triomf clàssic. Així mateix, aquests monarques van iniciar la construcció d'un nou palau, enfront del Louvre, el Palau de les Tullerías, en el qual va intervenir l'altre gran arquitecte francès del Renaixement, Philibert Delorme.
| S'ha produït un error en crear la miniatura: |
L'escultura del Renaixement a França va ser també al compàs del dictat per Itàlia. França va deixar de ser ja a la fi del segle XIV el gran centre escultòric d'Europa que va anar gràcies als tallers catedralicios, situació que continuaria durant el segle XV, i encara més en el XVI. És paradoxal i alhora revelador que aquesta situació coincideixi amb la consolidació progressiva de la institució monàrquica, evidentment desitjosa de renovar la seva imatge i disposada a usar l'art com a instrument propagandístic de primer ordre. No obstant això de la pèrdua d'hegemonia en aquest camp, que de totes maneres mai havia estat definitiva, van sorgir grans figures a la calor dels projectes reals; és de destacar el caràcter ornamental i decoratiu que van tenir les escultures, subordinant-se al proyeto general dels edificis i integrant-se en aquests. Dos van ser els autors més excel·lents: Germain Pilon i Jean Goujon.
La pintura també va experimentar el progressiu declivi de les formes gòtiques tradicionals i l'arribada del nou estil. Com s'ha assenyalat, es van conèixer a França de primera mà les formes pictòriques italianes al segle XVI gràcies a l'arribada d'autors molt innovadors, com Leonardo o Rosso Fiorentino. Francisco I va impulsar la formació d'artistes francesos sota l'adreça de mestres italians, com Niccolò dell'Abbate o Primaticcio, sent aquest últim el responsable de la decoració del palau de Fontainebleau i l'organització de les festes de la Cort, i tenint per tant a les seves ordres a molts artesans i artistes. Aquesta convivència de talents, escoles, disciplines i gèneres va donar origen a l'anomenada escola pictòrica de Fontainebleau, una derivació del manierisme pictòric italià que incideix en l'erotisme, el luxe, els temes profans i les al·legories, tot això molt del gust de la seva clientela principal, l'aristocràcia. La major part dels artistes de Fontainebleau van ser anònims, precisament per aquesta integració de les arts que es propugnava i pel magisteri dels artistes consagrats. No obstant això, coneixem els noms d'alguns pintors, figurant Jean Cousin el Vell o Antoine Caron entre els més destacats. No obstant això, el pintor francès més important de l'època, a a vegada que un dels grans retratistes de tots els temps, encara que gran part de la seva obra s'hagi perdut, va anar François Clouet, que va superar al seu pare, el també apreciable Jean Clouet, en la fidel plasmació de la vida dels poderosos de l'època, amb una profunditat psicològica i brillantor formal el precedent de la qual cal buscar-ho en Jean Fouquet, gran pintor del segle XV encara en l'òrbita del Gòtic.
Música renaixentista
Al no conèixer-se la música grega o romana amb tanta precisió com l'arquitectura i l'escultura, la música renaixentista no es produeix com una restauració de l'antic. La música d'aquesta època va ser una culminació dels estils anteriors (Ars nova), buscant naturalitat, proporció i harmonia entre text i melodia.
Característiques principals:
- Unió entre música profana i religiosa.
- Equilibri entre les veus.
- Major sentit imitativo en el contrapunt.
- Progressiva substitució de veus per instruments (s'afavoreix així a la música instrumental, que també acompanya a la dansa).
- S'amplia el camp d'acció de la interpretació musical (temples, universitats però també salons, corts, etc).
- El músic adquireix major importància social.
Música vocal religiosa:
- Motet: És una composició de 2, 3 o més veus sobre textos llatins i d'extensió breu. El motet es cantava en Adviento, Quaresma i en Setmana Santa. La seva època de major importància va ser durant els segles XII i XIII. En el motet destaquen les figures de Giovanni Pierluigi dóna Palestrina i de Orlando vaig donar Lasso, que seran els músics més destacats de l'època.
- Missa: Es desenvolupa sobre els textos litúrgics d'aquesta celebració: kyrie; glòria; credo; sanctus i Agnus Dei. La missa estava inspirada en temes del cant pla i profà, excepte en el cas de la Missae sine nomini (missa sense nom) que no estava inspirada en cap tema preexistent.
Bibliografia
- BUCKHARDT, J.: La cultura del Renaixement. Madrid, Editorial Akal, 2004.
- V.V.A.A.: L'Art del Renaixement a Itàlia. Köln, Konemann, 1999.
- Bertényi, I. , Diószegi, I. , Horváth, J. , Kalmár, J. i Szabó P. (2004). Királyok Könyve. Magyarország és Erdély királyai, királynői, fejedelmei és kormányzói. Budapest, Hongria: Helikon Kiadó.
Vegeu també
- Renaixement italià.
- Renaixement nòrdic
- Renaixement del segle XII.
- Filosofia Natural en l'Edat Moderna
- La cultura del Renaixement a Itàlia (Jacob Burckhardt, 1860)
Enllaços externs
Wikimedia Commons alberga contingut multimèdia sobre Renaixement.
Wikiquote alberga frases cèlebres d'o sobre Renaixement.
- Introducció al Renaixement
- Art del Renaixement (ARTEGUIAS)
- Renascimento (en portuguès)
- Society for Renaissance Studies (en anglès)
