Historieta

Cerca  

Historieta

De Wikipedia, l'enciclopèdia lliure

Es diu historieta o còmic a una "sèrie de dibuixs que constitueix un relat", "amb text o sense ell,"^[1] així com el mitjà de comunicació en el seu conjunt.^[2] Partint de la concepció de Will Eisner d'aquesta narrativa gràfica com un art seqüencial, Scott McCloud arriba a la següent definició: «Il·lustracions juxtaposades i altres imatges en seqüència deliberada amb el propòsit de transmetre informació o obtenir una resposta estètica del lector».^[3] Oscar de Maco agrega que «sol incloure's dins del concepte també el humor gràfic, per utilitzar les mateixes eines, encara que no sempre es desenvolupi en forma seqüencial, o sigui a través de diversos cuadritos o vinyetas, llegits d'esquerra a dreta com la paraula impresa, sinó en un sol cuadrito unitari ("cartoon")».^[4]

Considerada durant molt temps com un subproducte cultural,^[5] amb prou feines digne d'una altra anàlisi que no fos el sociològic, des dels anys 60 del passat segle es vas agafar a la seva reivindicació artística, de tal forma que Morris^[6] i després Francis Lacassin^[7] han proposat considerar-la com el novè art, encara que en realitat sigui anterior a aquelles disciplines a les quals habitualment se'ls atribueixen les condicions de vuitè (fotografia, de 1825) i setè (cinema, de 1886). Segurament, siguin aquest últim mitjà i la literatura els que més l'hagin influït, però no cal oblidar tampoc que "el seu particular estètica ha sortit de les vinyetas per aconseguir a la publicitat, el disseny, la moda i, no diguem, el cinema."^[8]

Les historietes solen realitzar-se sobre paper, o en forma digital (i-comic, webcomics i similars), podent constituir una simple tira en la premsa, una pàgina completa, una revesteixi o un llibre (àlbum, novel·la gràfica o tankōbon). Han estat conreades en gairebé tots els països i aborden multitud de gèneres. Al professional o aficionat que les guioniza, dibuixa, retola o acoloreix se li coneix com historietista.^[9]

Contingut 1 Denominacions 2 Historia 2.1 Abans de la impremta 2.2 Les primeres historietes impreses (segle XVI-1845) 2.3 En la premsa de masses (1841-94) 2.4 La modernitat (1895-1928) 2.5 L'aventura contínua (1929-42) 2.6 L'Edat d'Or (1943-62) 2.7 Una nova consciència (1962-87) 2.8 L'expansió del màniga (1988-) 3 Tradicions 4 Indústria 5 Gèneres 6 Sociologia 7 Llenguatge 7.1 Iconografia 7.2 Text 7.3 Articulació narrativa 8 Relacions amb altres mitjans 9 Estils 10 Vegeu també 11 Referències 12 Bibliografia recomanada 13 Enllaços externs

Denominacions

Als països hispanoparlants, el terme historieta és el nom autòcton^[10] més estès. En origen, era un diminutivo de la paraula història, procedent al seu torn de l'arrel grega histor que significa ‘jutge’. Alguns països hispanoparlants tenen a més les seves pròpies denominacions específiques: [[Monitos] a Mèxic, i còmic a Espanya.

Cap als anys setanta va començar a imposar-se al món hispanoparlant el terme d'origen anglosaxó còmic^[11] (procedent al seu torn del grec Κωμικός, kōmikos, d'o pertanyent a la "comèdia"),^[12]) que es deu a la suposada comicitat de les primeres historietes.^[13] En anglès, a més de comics i comix, s'usen els termes funnies (és a dir, divertits)^[14] i cartoon (pel tipus de paper bast o cartró on es feien) per al dibuix i la caricatura humorística. Amb el temps, es va començar a cridar "comic strip" (tira de premsa) a la tira d'historietes, mentre que els "animated cartoons" o dibuixos animats van tendir a reservar-se la paraula "cartoon". També apareix des del moviment contracultural el terme comix, primer en anglès i després en altres llengües, que sol reservar-se per a publicacions d'aquest estil.

Òbviament, la historietes no tenen per què ser còmiques i per això els francesos usen el terme bande dessinée ('tires dibuixades'), abreujat BD, que en realitat és una adaptació de 1962 de comic strip. El portuguès va traduir del francès per crear banda desenhada, mentre que en Brasil la hi denomina história em quadrinhos (història en cuadritos), fent així referencia al procediment sintàctic de la historieta, com també succeeix amb el terme xinès liánhuánhuà ('imatges encadenades').

En relació a altres noms asiàtics, el terme pispa (漫画,'imatges grotesques') s'ha imposat en japonès a partir de Osamu Tezuka qui ho va prendre al seu torn de Hokusai, mentre que es reserva el terme komikkusu (コミックス) per a la historieta nord-americana. Els filipins usen el similar komiks, però ho apliquen en general, mentre que a Corea i Xina usen termes derivats de màniga com manhwa i manhua, respectivament.

Finalment, a Itàlia la historieta es va denominar fumetto (nubecillas, en castellà) en referència al globus de diàleg.^[15]

Historia

Existeix una forta controvèrsia sobre quin va ser la primera historieta, en funció de si s'usa una definició més o menys restrictiva.

Abans de la impremta

Algunes pintures murals egípcies com la Tomba de Menna (c. 1422-1411 aC) o gregues i relleus romans com la famosa columna trajana poden ajustar-se a la definició de còmic donada més amunt.

En l'Edat Mitjana europea, la narració visual en les naus de les esglésies, com en els 24 compartiments del vitrall de la Catedral de Chartres,^[16] es desenvoluparia encara més en l'extraordinari Tapís de Bayeux (segle XI), així com en la tradició de manuscrits il·luminats representada pel Saltiri de Sant Luis (1253-1270), la Bíblia del cardenal Maciejowski (c. 1250), les Cantigas de Santa María (intervinguts del segle XIII-1284), el Breviario de Felipe el Bell (c. 1300) o el Saltiri Arundel (primera meitat del segle XIV). També hi ha una tradició precolombina contemporània, a la qual pertany el Còdex Nuttall en escriptura mixteca.^[17] Para teòrics com Oscar Masotta, la veritable semblança entre la historieta moderna i els seus parents d'antany^[18] no començaria fins a finals del segle XIV amb la utilització a Europa del gravat en fusta o xilografia, produint-se llibres com la famosa Bíblia dels pobres o Bíblia pauperum (1410-1420).

Les primeres historietes impreses (segle XVI-1845)

Gutenberg va introduir la impremta a Occident en 1446, i ja des del segle XVI, a França, i després altres països, comencen a difondre's els al·leluies. Fora d'aquesta, també solen citar-se El Primer Nova coronica i bon govern (cap a 1615) de Felipe Guamán Poma d'Ayala^[19] o les pintures en sèrie de l'anglès William Hogarth (1697–1764), com A Rake’s Progress (La carrera d'un libertino) i A Harlot’s Progress (La carrera d'una puta).

Van ser els humoristes gràfics anglesos del XVIII, com Isaac Cruikshank, els que van desenvolupar el globus de diàleg en les seves caricatures per satirizar als seus governants, però probablement el primer llibre d'historietes sigui “Lenardo und Blandine” (1783) de Josef Franz von Goez.^[20] La reproducció massiva del dibuix tampoc va ser possible fins a 1789, any en què es va descobrir la litografia, ja que aquesta permet la impressió directa sobre la pàgina sense cap procés humà intermedi, gràcies a planxes resistents a múltiples premsatges. En 1796, Jean-Charles Pellerin inicia a França, concretament a la regió de Épinal, una indústria de producció d'estampes coneguda com a imatges d'Épinal.

Entre els pioners de la primera meitat del segle XIX, solen citar-se a Nordquist, Bilderdijk, Thomas Rowlandson (Dr Syntax), William Charles i George Cruikshank,^[21] encara que el popularizador del còmic modern és el franc-suís Rodolphe Töpffer, qui publica en 1833 el seu Histoire de M. Jabot, a la qual seguirien altres sis àlbums. El seu Assaig sobre fesomia de 1845 és considerat com el primer text teòric del mitjà.

En la premsa de masses (1841-94)

Hi ha estudiosos que consideren la historieta com un producte cultural de la modernitat industrial i política occidental que va sorgir en paral·lel a l'evolució de la premsa com a primer mitjà de comunicació de masses, i busquen la primera entre les reproduïdes en ella.^[22]Cal remetre's, llavors, a la revista mensual britànica Punch (1841), que inspirada en Li Charivari francesa, va anar el motor de l'expansió mundial del còmic, en dirigir-se a un nou sector aupado també per la revolució social i industrial: la infància. El model de Punch va ser imitat a tot el món, donant lloc a Alemanya a Fliegende Blatter (1848) en la qual debutaria l'excepcional Wilhelm Busch, autor de Max und Moritz (1865); a Japó, a The Japan Punch (1862-87), a Espanya, a La Flaca (1869-76) i, la qual cosa és més important, a Estats Units, a Puck (1877), Judge (1881) i Life (1883), veritables camps de prova en els quals van començar, entre uns altres, Richard Felton Outcault i Frederick Burr Opper.

Sorgeixen també sèries amb personatges fixos, com el britànic Alley Sloper, creada per W. G. Baster en 1884 per a la revista Alley Sloper’s Half Holiday; Famille Fenouillard, creada per Georges Colomb para Li Petit Français illustré en 1889, i Little Bears and Tigers, del nord-americà James Swinnerton en 1892. A l'any següent, s'incorpora el color en el suplement dominical del New York World de Pulitzer.^[23]

La modernitat (1895-1928)

En les albors del segle XX el principal centre de producció i innovació en el camp de la historieta va ser EE.UU, ja que els principals editors del país, Hearst i Pulitzer, la van usar per atreure a tot tipus de públic, nens i adults, incloent als immigrants que no sabien anglès.^[24] Van arribar fins a a lluitar en els tribunals per la seva possessió i els tribunals van sentenciar en 1913 que un autor havia de renombrar la seva sèrie si es passava amb ella a un altre periòdic. W. R. Hearst també va impulsar els recopilatoris de tires i en 1914 va fundar el Kings Feature Syndicate, la primera agència per a la seva distribució.

Les sèries germinals van ser Hogan's Alley (1895) d'Outcault, protagonitzada per The Yellow Kid,^[25]The Katzenjamer Kids (1897) de Rudolph Dirks, inspirada en Max i Moritz de Busch, i Happy Hooligan (1899) de Frederick Burr Opper, que se serveixen progressivament dels globus de diàleg.^[26]

Sorgeixen també sèries que exploren les possibilitats cromàtiques i rítmiques de la pàgina, amén de cert surrealisme avant la lettre, com Little Nemo in Slumberland (1905) de McCay i Krazy Kat (1911) de Herriman.

No obstant això, les tires més populars oscil·len entre l'humor físic del slapstick i el tractament dels problemes d'adaptació a la modernitat d'un grup de personatges. El grup podia ser una família o una parella, sempre polaritzada entre un pare i la seva esposa o fills o entre dos companys de diferent caràcter. Els exemples més famosos són Mutt and Jeff (1908) de Bud Fisher, Polly and her pals (1912) de Cliff Sterret; Bringing up father (1913) de McManus, Thimble theater (1919) en la qual Segar crearia a Popeye, i Gasoline Alley (1919) de Frank King. També sorgeixen "girl strips", com Little Orphan Annie (1924) d'Harols Gray.

En la resta del món, mentrestant, seguien col·locant-se els textos al peu de la vinyeta, sent de destacar les originals novel·les sense paraules de Frans Masereel^[27] i el sorgiment de revistes i suplements infantils com les britàniques Xip i Comic Cuts, ambdues de 1890; la brasilera "O Tico-Tico" (1905), la italiana Corregués dei piccoli (1908), l'espanyola TBO (1917) i l'argentina Billiken (1919). A Japó, després de la labor pionera de Rakuten Kitazawa, triomfen historietes infantils com Les aventures de Shochan(1923) de Shousei Oda/Tofujin i Els Tres Mosqueters amb botes en el cap (1930) de Taisei Makino/Suimei Imoto^[28]L'ús internacional dels globus no es generalitzaria fins a la belga Zig et Puce (1925) de Alain Saint-Ogan.

L'aventura contínua (1929-42)

La Gran Depressió de 1929 impulsaria una renovació temàtica i estilística en la historieta nord-americana, de tal manera que, malgrat l'aparició de notables sèries de comèdia com Li’l Abner (1934) de Al Capp, els següents anys estarien marcats per les tires d'aventures, després de l'èxit de Buck Rogers (1929) de Dick Calkins, Mickey Mouse (1930) de Floyd Gottfredson o Dick Tracy (1931) de Chester Gould, la qual cosa va propiciar que sèries anteriors com Wash Tubbs (1924) de Roy Crane, i Tim Tyler's Luck (1928) de Lyman Young, derivessin cap al nou gènere.^[29]

Flaix Gordon (1934) de Alex Raymond, Príncep Valent de Harold Foster i el Tarzán de Burne Hogarth, ambdós de 1937, potenciarien un grafisme realista i elegant, proper a la il·lustració, en detriment del grafisme caricaturesco habitual fins llavors, però, la qual cosa és més important, van substituir definitivament ho episódico per la continuïtat,^[30] tornant fonamental el suspens en l'última vinyeta per fidelizar lectors.

Aquesta nova historieta va envair l'àmbit europeu amb Li Journal de Mickey (1934) al que només van poder resistir:

• Les revesteixis franc-belgues com Junior o Coeurs Valliant que incloïen una historieta d'aventures amb un grafisme característic: Tintín, creat en 1929 per Hergé. Aviat se sumarà a elles Li Journal de Spirou, revista nascuda en 1938 en Marcinelle (Bèlgica), que avui dia se segueix publicant i en la qual hauran de treballar tots els grans mestres del còmic franc-belga.
• La italiana, on el govern prohibe en 1938 les sèries d'EUA i triomfa en el seu lloc Dick Fulmini de Vincenzo Baggioli i Carlo Cossio,^[31] així com un nou format apaisado, el cuadernillo d'aventures.
• La revista Beano a Gran Bretanya.

A Japó, per la seva banda, destaquen sèries d'aventures infantils com Speed Taro (1930-33) de Sako Shishido, Ogon Bat (1930, de Ichiro Suzaki/Takeo Nagamatsu i Les aventures de Dankichi (1934), de Keizo Shimada, així com la tira Fuku-Chan (1936-), de Ryuichi Yokohama.

També en 1934 es començaria a distribuir Terry i els pirates de Milton Caniff, qui va adoptar el nou llenguatge del cinema prenent molts dels seus recursos com el plànol americà i imitacions del plànol-seqüencia, i va portar la lògica de la continuïtat a l'extrem: les tires diàries es connectaven entre si i amb el dominical però, a més, la sèrie es podia llegir només amb les pàgines dominicals o, també, només amb les diàries.

El guionista Lee Falk desenvoluparia sèries com El Fantasma en 1936 i Mandrake el mag en 1939, però la historieta en premsa començaria aviat a acusar un dur cop, el dels comic-books amb material original, que encara que sorgits en 1929 amb "The Funnies", triomfarien gràcies a l'èxit dels superherois,^[32] el primer dels quals seria Superman en 1938 i al que segueixen uns altres com Batman en 1939 o el Capità Amèrica i La Dona Meravella, ambdós en 1941. No gaire diferents de les més recents tires d'aventures, aviat es deixaran imbuir de l'esperit bèl·lic de la Segona Guerra Mundial, presentant en moltes ocasions nomenis o uniformes relacionats amb els seus símbols nacionals, i enfréntandose als enemics del país. Això els va permetre aconseguir un gran èxit comercial, però també causaria el tancament de la majoria dels seus títols en finalitzar la guerra. Semblant sort correrien historietes bèl·liques japoneses com Norakuro (1931-41) de Suihou Tagawa.^[33]Més renovador es mostra Spirit (1940) de Will Eisner.

L'Edat d'Or (1943-62)

A causa de la guerra, es va prohibir la importació de "comic books" nord-americans en l'Imperi britànic, la qual cosa permet una breu florida de la producció autòctona a Canadà o Austràlia. Després de la guerra, la Historieta nord-americana es troba en la seva cénit, amb unes vendes enormes i amb un públic compost per nens, adolescents i adults joves, tant masculins com a femenins. No obstant això, de seguida va a ensopegar amb greus limitacions: de format, per a les tires de premsa, i temàtiques, pels comic books.

• En la premsa, s'imposa la trucada daily strip (‘tira diària’), que ocupa un dels fragments horitzontals d'una pàgina de contingut heterogeni i pot ser, depenent del gènere, una narració completa o serial. També hi havia publicacions de pàgina completa els diumenges, encara que els autors eren diferents. Això va imposar una limitació espacial a diàlegs i acció, perjudicant als còmics més realistes, com Johnny Hazzard (1944) de Frank Robbins i Rip Kirby (1946) de Alex Raymond; durant els pròxims anys les tires més importants adoptarien predominantment protagonistes orientats a la infància, encara que amb una forta càrrega intel·lectual, com Nancy (1938) de Ernie Bushmiller, Barnaby (1942) de Crockett Johnson, Pogo (1948) de Walt Kelly, B.C. i Peanuts (1950) de Charles Schulz, amb el seu mundialment famós Snoopy.

• En el comic book, s'aconseguia una gran varietat temàtica, triomfant els de ciència ficció ("Planet Comic", des de 1940), crims (Crime Does Not Pay, des de 1942); funny animals (amb el gran Carl Barks al capdavant), terror (Frankenstein Comics, 1945), romanç (Young Romanç, des de 1947) i westerns, destacant sobretot els publicats per l'empresa EC Comics, dirigida des de 1947 per Wiliam Gaines. En 1954, els atacs del psiquiatre Fredric Wertham i d'un Subcomité del Senat per a la Investigació de la Delinqüència Juvenil van provocar caigudes generalitzades de vendes i la creació per part de les editorials supervivents de The Comics Magazine Association of America, que va instituir el Comics Code Authority (en la pràctica una forma d'autocensura).^[34]

Una campanya similar contra la Historieta es produirà un any després a Gran Bretanya, però instigada en canvi per l'educador George Pumphrey i el Partit Comunista i com a defensa no només de la infància, sinó també de la cultura autòctona enfront de la influència nord-americana.^[35] També a nivell mundial, s'aferma la TV, un mitjà d'entreteniment de fàcil consum i aparentment gratuït que acabarà per robar gran part del seu públic a la Ràdio, el Cinema i al Còmic. No obstant això, aquests són encara anys d'una gran expansió internacional per al mitjà, ja que les escoles argentina, franc-belga i japonesa adquireixen un gran desenvolupament durant la postguerra, gràcies a genis del calibre de Oesterheld, André Franquin i Osamu Tezuka, respectivament.

• A Argentina, destaquen la revistes humorístiques Ric Tipus (1943) i Tia Vicenta (1957), així com l'inici de la seva pròpia tradició d'historieta d'aventures, obra d'Héctor Germán Oesterheld al costat de dibuixants com Francisco Solano López (L'Eternauta, la seva obra mestra, de 1957); Hugo Pratt (Sergent Kirk de 1952 o Ernie Pike de 1957), i Alberto Breccia (Mort Cinder, de 1962), encara que el seu mercat entra en crisi a partir de llavors.

• La historieta franc-belga, dividida generalment en dues escoles, la de Brussel·les i la de Charleroi, aporta sèries com Blake i Mortimer (1946) de Edgar P. Jacobs, Lucky Luke (1946) de Morris, Jerry Spring (1954) de Jijé, Tomás la Mala sort (1957) de André Franquin o Els pitufos (1958) de Peyo. En 1959, els francesos Goscinny, Uderzo i Charlier, llancen al mercat la revista Piloti després de diverses temptatives per buscar-se un buit en el panorama de les publicacions juvenils liderades per Spirou i Tintín. El seu èxit i el del seu personatge estavella, Astérix el Gal, va ser immediat i la va convertir en la revista de referència del còmic franc-belga.

• Des de Màniga Shonen (1947), que va ser la primera revista infantil dedicada en exclusiva al màniga, Osamu Tezuka, va imposar el seu esquema de llargues epopeies i va diversificar la seva producció en múltiples gèneres, amén de combinar un major dinamisme amb abundants efectes sonors. Amb un grafisme molt diferent, gens disneyanus, trobem a autors com Machiko Hasegawa, creadora de la tira Sazae-sant (1946-74), Kon Shimizu o Shigeru Sugiura.

Finalment, es renova a Estats Units l'interès pels comic-book de superherois gràcies a títols com La Lliga de la Justícia (1960), Els Quatre Fantàstics (1961) o L'Home Esgarrapa (1962), molts d'ells creats per Stan Lee/Jack Kirby. La revista MAD (1952) també es converteix en un èxit, però en general pot dir-se que "el gruix de la producció nord-americana, per a la segona meitat dels anys seixanta, ha baixat de nivell i es troba per sota de la producció francesa o italiana".^[36]

Una nova consciència (1962-87)

A partir de 1962, s'aferma una nova consciència del mitjà, sobretot en França i Itàlia, de tal forma que els intel·lectuals ja no ho aborden des d'una perspectiva pròpia de la Psicologia social, sinó des de la Estètica^[37] i es creen institucions per al seu estudi com el CELEG (Centri d’Etude donis Littératures d’Expression Graphique), i el SOCERLID (Société d’Etudes et de Recherches donis Littératures Dessinnées), que llancen les seves pròpies revistes. Se celebren també congressos italians com els de Bordighera (1965) i Lucca (1966 ), així com una monumental exposició d'historietes nord-americanes i franceses en el Museu d'Arts Decoratives del Palau del Louvre (1967) i una Biennal Mundial de la Historieta, en l'Institut Torcuato Vaig donar Tella (1968).^[38]

En aquesta dècada, encara es creen sèries d'aventures populars com Modesty Blaise (1963) de Peter O'Donnel/Jim Holdaway; Valerian, agent espai-temporal (1967), de Christin/Mezières, o Curt Maltès (1967) de Hugo Pratt, mentre que unes altres com Mortadelo i Filemó de Francisco Ibáñez emprenen la seva etapa de major èxit. Moltes de les noves historietes estan orientades, no obstant això, cap a un públic cada vegada menys juvenil:

• El fumetto nero italià que va néixer en 1962 amb Diabolik de les germanes Angela i Lucianna Giussani;
• El nou western franc-belga representat per Blueberry (1963) de Charlier/Jean Giraud i Comanche (1969), de Greg/Hermann;
• El rellançament del terror a EUA per part de la Warren amb les seves revistes Creepy (1964), Eerie (1966) i Vampirella (1969).
• El gekiga japonès, l'estil del qual s'allunya del de Disney i tracta nous temes com l'horror, l'erotisme, els yakuzas i els samuráis. És el cas de Llop solitari i el seu cadell (1970), de Kazuo Koike/Goseki Kojima.
• Les historietes de superherois amb forts temes socials, com la reunió de Llanterna Verda i Fletxa Verda que Dennis O'Neil i Neal Adams van realitzar en 1970.

Sorgeix també un important moviment contracultural, tant a Estats Units com Japó, del que sorgirien autors com Robert Crumb o Sanpei Shirato que en 1964 patrocinaria l'única revista underground de la història del màniga, Garo. Per la seva banda, els italians Guido Crepax i, ja en els anys 80, Milo Ragés i Serpieri conreen sense amb prou feines disisimulo el còmic eròtic i pornogràfic.

S'experimenta també amb la composició de la pàgina, com fan el propi Crepax o Jim Steranko. En el maig de 1968, la revolució arriba a la revista francesa Piloti: Els dibuixants joves donen un autèntic cop d'estat i aconsegueixen fer, del que era una publicació infantil, tot un còmic d'avantguarda. En 1974, alguns d'aquests autors, com Moebius, decideixen llançar la seva pròpia revista de ciència-ficció que es dirà Métal Hurlant i que es convertirà en un model a seguir per europees i nord-americanes. Una d'aquestes revistes, la britànica "2000 AD" (1977) serà el brou de cultiu de tota una hornada de nous autors britànics que a partir de 1982, vindrien a revitalitzar el comic-book de superherois nord-americà amb obres com "Watchmen" (1986), de Alan Moore/Dave Gibbons, al costat de nadius com Frank Miller.

Amb retard, es produeix també un boom del còmic adult a Espanya que aviat passa a estructurar-se "per escoles identificades amb les revistes Cairo, L'Escurçó i Madriz".^[39] En general, pot dir-se que molts autors busquen un lector més adult, com els francesos Tardi o Lauzier, l'espanyol Carlos Giménez, el serbi Enki Bilal, l'italià Vittorio Giardino o els argentins Carlos Sampayo/José Muñoz, donant lloc al fenomen de la historieta d'autor. A Estats Units, neixen les primeres editorials independents aprofitant la institució del sistema de venda directa a llibreries (1976),^[40] un redivivo Will Eisner popularitza el concepte de novel·la gràfica a partir del seu Contracte amb Déu (1978) i sorgeixen autors alternatius com Dave Sim amb Cerebus (1977), els germans Jaime, Gilbert i Mario Hernandez de Love and Rockets (1981) i Stan Sakai amb Usagi Yojimbo (1984).

I és que encara que la Historieta es desenvolupa en altres àmbits, com el món àrab^[41] i segueixen produint-se obres molt populars, com les del guionista Jean Van Hamme (Thorgal, 1977 i XIII, 1983) o Els passatgers del vent (1980), de François Bourgeon, a poc a poc va deixant de ser un mitjà massiu en la majoria dels països, creandose formats més cars, tals com a àlbums o revistes de luxe. A Japó, en canvi, l'editora Kodansha ha canviat amb la seva revista Shōnen Magazine la pauta de periodicitat mensual a setmanal, multiplicant la producció i reduint costos, i s'atreu també a públic femení amb obres com La Rosa de Versalles (1972) de Riyoko Ikeda o Candy Candy (1975-79) de Kyoko Mizuki/Yumiko Igarashi.

L'expansió del màniga (1988-)

En 1988, gràcies a l'èxit de les versions en dibuixos animats de Akira (1982-93), de Katsuhiro Otomo i Dragon Ball (1984-95) de Akira Toriyama, la historieta japonesa va començar a difondre's internacionalment. Al dia d'avui, el màniga s'ha consolidat en la societat occidental, arribant a ser imitat per autors nord-americans i europeus i donant lloc a moviments com el amerimanga o la nouvelle màniga. Historietistas japonesos, com Jirō Taniguchi, guanyen prestigiosos premis internacionals i el que és més important, la població juvenil occidental ha tornat a interessar-se massivament pel mitjà, com no ocorria a Europa des de la postguerra.^[42]

D'altra banda, són moltes les editorials d'Europa i Estats Units dedicades al mercat de la Historieta, si bé les revistes i el comic book han anat perdent força en favor de l'àlbum i la novel·la gràfica. De la mateixa manera, les experiències d'edició independent dels 70 i 80 es transformen en un sòlid sector del mercat, afermant-se editorials com Fréon a Bèlgica, Cockroach a Xina, Fantagraphics Books i Drawn and Quarterly a Estats Units, L'Association o Cornélius a França, Atrabile a Suïssa, etc.

Les obres d'autors com els nord-americans Peter Bagge, Daniel Clowes i Charles Burns, els francesos David B., Philipe Dupuy i Charles Berberian, la iraniana Marjane Satrapi o la israeliana Rutu Modan, que sovint s'autoeditan i tendeixen cap al costumbrismo (fins i tot autobiogràfic) o la historieta experimental, aviat comencen a rebre premis com el Pulitzer atorgat al Maus de Art Spiegelman en 1992^[43] i fins i tot a serializarse en suplements tan prestigiosos com “The New York Times Magazine".^[44] Alguns d'aquests autors no pretenen allunyar-se del gran públic ni dels gèneres més clàssics. Un bon exemple seria La Masmorra, de Trondheim i Sfar, que s'inscriu dins del subgénero de la fantasia heroica. Tampoc els artistes fundadors de Image Comics en 1992, amb sèries com Spawn o The Maxx. De la mateixa manera, l'editorial DC Comics fundaria oficialment la línia Vertigo en 1993 per acollir l'obra d'autors britànics com Neil Gaiman o Grant Morrison.

Un altre destacat fenomen d'aquestes dues últimes dècades és l'aparició dels webcómics gràcies a la generalització de Internet, que han permès el desenvolupament de formats específics de l'espai virtual (com el infinite canvas, ‘llenç infinit’), a més d'una difusió més fàcil de les historietes. Paradojicamente, ha estat el clàssic format de la tira de premsa el que s'ha revelat com més idoni para per a la pantalla.^[45] Entre les publicades en premsa, destaca Calvin i Hobbes (1985) de Bill Watterson. El gran supervendes del mercat francès també està protagonitzat per un infant: Titeuf, l'àlbum dotzè del qual, aconsegueix pràcticament mig milió d'exemplars venuts en 2008.^[46]

Tradicions

Del relat exposat més amunt, pot deduir-se l'existència de tres grans tradicions historietísticas a nivell global, totes amb els seus pròpies sistemes de producció i distribució:

• Nord-americana,
• franc-belga, i
• japonesa.

De menor transcendència global, encara que amb fases de glòria, i sempre amb algun autor rellevant i trets específics, però sofrint l'estretor i fins i tot crisi del seu mercat, podem citar altres escoles, com la:

• argentina,
• britànica,
• espanyola i
• italiana.

A part de la producció argentina i espanyola, pot destacar-se la d'altres països hispans, com a Cuba o Mèxic i, en menor mesura, Xile o Colòmbia.

Ja a la fi dels 60, Oscar Masotta afirmava que a través del còmic s'estava produint un veritable intercanvi de cultures o universalització cultural, de tal manera que "els italians i els alemanys llegeixen historietes produïdes a França i viceversa, els pobles de parla hispànica llegeixen tires produïdes en països anglosaxons, als Estats Units en la seva major part, etc", contribuint així a esborrar les particularitats nacionals. No obstant això, aquest teòric no deixava d'esmentar, com un valor negatiu, que En aquest mateix sentit, s'estén el llibre Per llegir a l'Ànec Donald (1972) de Ariel Dorfman i Armand Mattelart.

Indústria

Tradicionalment, la indústria del còmic ha requerit un treball col·lectiu, en el qual, a més dels propis historietistas, han participat editors, coloristes, gravadors, impressors, transportistes i venedors. Sempre han existit autoedicions, com les del còmic underground, però ultimamente han augmentat per la crisi de determinats mercats i la facilitats assolides amb l'auge de la informàtica i Internet. Poden distingir-se els següents formats de publicació:

• Tira de premsa, composta per una franja horitzontal de tres o més vinyetes.
• La pàgina, que pot compilar diverses tires o presentar una sola, però desplegada a tota pàgina i color (el que es denomina sunday, per ser publicada en diumenge).
• La revista d'historietes (comic book a Estats Units, pepines a Mèxic i còmic a Espanya),^[47] normalment amb grapa i de vegades forma de quadern. Presenten una o diverses historietes, ja siguin autoconclusivas o part d'una sèrie, amb coletillas com "Continuarà en el proper nombre"^[48] i similars. Les que presenten una sola sèrie, poden plantejar-se com a sèries obertes o limitades.
• El llibre, que es concreta en Àlbum d'historietes, Novel·la gràfica i Tankōbon en les tradicions franc-belga, nord-americana i japonesa, respectivament.
• Digitals: I-comic, webcomics, etc.

Gèneres

Un gènere narratiu és un model o tradició d'estructuració formal i temàtica que s'ofereix a l'autor com a esquema previ a la creació d'historietes, a més de servir per a la classificació, distribució i venda de les mateixes. Tot gènere es classifica segons els elements comuns dels comics que abasta, originalment segons els seus aspectes formals (grafisme, estil o to i, sobretot, el sentiment que busquin provocar en el lector), i temàtics (ambientació, situacions, personatges característics, etc), de tal forma que "les característiques de guió, planificació, il·luminació i tractament"^[49]d'una historieta variaran segons el gènere al que pertanyi. Alternativament, els gèneres historietísticos es defineixen pel format de publicació. Com explica Danieli Barbieri, "la divisió per gèneres és diferent i independent de la divisió per llenguatges", de tal forma que Actualment no existeix un consens en quant al seu nombre, doncs les diverses classificacions no deriven tant de la retòrica clàssica, amb la seva divisió en líric, épico i dramàtic, com de la novel·la popular i el cinema, que es caracteritzen per l'escassa complexitat de la seva regulació. No és rar trobar, per exemple, referències a macrogéneros com a historieta d'aventures^[51] o d'acció.^[52] Per complicar encara més el tema, els gèneres també poden ser combinats per formar gèneres híbrids. Hi ha, no obstant això, alguns bastant definits i amb molta tradició^[49] i ens basarem per enumerar-los en la monografia Gent del còmic que s'estructura precisament en una divisió per gèneres, complementant-la amb Mangavisión per recollir també informació del màniga que la primera encara no contemplava. Es distingeixen en aquests assajos els gèneres que segueixen a continuació, molt sovint concretats en subgéneros:

• Aventures;
• Bèl·lica,
• Ciència ficció o futurista:
  • Metxa,
  • Space opera, i
  • Superherois;
• Còmica i satírica;
• Costumista;
• Esportiu, d'arts marcials o jocs de taula,
• Erotisme i pornografia, distingint-se en la tradició japonesa:
  • Ecchi (ッチ), que no mostra el coit, i
  • Hentai (変態) que ja és plenament pornogràfic;
• Fantàstic i llegendària, incloent la fantasia heroica o el mahō shōjo;
• Històrica, que compta amb un subgénero consolidat, el de la historieta de l'Oest o western, i
• Policíaco o criminal;
• Sentimental i romàntica;
• De terror;
• No ficció:
  • Crònica i reportatge, com els de Joe Sacco,
  • Didàctica, fins i tot del propi mitjà, com fa Scott McCloud,
  • Assaig,
  • Política i de propaganda,
  • Religiosa i mitològica.

Fins a la recent evolució de la imatge generada per computadora, podia dir-se que la proliferació de certs gèneres, com la ciència ficció o el fantàstic, era deguda a la "la facilitat i economia de mitjans amb que un bon dibuixant pot introduir als seus lectors en els ambients més fantàstics".^[53]

Sociologia

També es distingeix, encara que ja fora de qualsevol classificació per gèneres, una historieta infantil, dirigida a nenes o nens, d'un altre còmic per a adults, mentre que amb prou feines té predicamento el terme historieta familiar, que si té equivalents al cinema, per referir-se a les obres que resulten atractives a lectors de totes les edats. D'altra banda, els afeccionats al màniga també classifiquen les historietes en funció del segment de població al que es dirigeixen. Per a això usen termes nipons com kodomo (nen), shōjo (noia), shōnen (noi), josei (dona) i seinen (home).

Cal dir, referent a això, que la historieta infantil ha constituït la majoria del material clàssic "de tots els països (Estats Units inclòs)".^[54]El còmic adult, per la seva banda, va iniciar el seu auge en els anys 60 presentant relats que podien ser tan impossibles i puerils com els anteriors, però que incloïen majors dosis de violència, temes inquietants, paraules malsonants i sobretot sexe explícit.

En termes generals, s'ha assenyalat que el fet de molts còmics clàssics "ofereixen només una de les cares dels seus personatges i oculten totes les altres" explica per què "no han entrat encara al món de la gran cultura que necessita una mica més que la pura anècdota".^[55]Actualment, no obstant això, les historietes són llegides majorment per adolescents i adults jovenes, per la qual cosa cada vegada les hi ha "més complicades, més obertes, més sensibles i més alliberades", és a dir, més adultes.^[56]

També cal destacar que el còmic, com a mitjà de comunicació de masses, ha tendit a "traduir una ideologia tradicional, conservadora i immobilista durant molts anys",^[57] ja sigui per les conviccions dels seus autors o per no desagradar al conjunt dels seus lectors i arriscar-se a perdre'ls o fins i tot sofrir els efectes de la censura, com va ocórrer en règims com els de Mussolini o Franco i, respecte a les historieta d'horror i crims als Estats Units i la Gran Bretanya dels anys 50. Això explica que les historietes que no se cenyien als valors socials imperants es manifestessin a través de publicacions underground i que temàtiques com la homosexualitat no afloressin a la superfície fins als anys 80, conforme anava sent acceptada en la cultura oficial, i no produïssin fins llavors els seus primers autors reconeguts per crítica i públic, com Ralf König o Nazario.

Finalment, cal indicar que l'interès pel còmic "pot tenir molt variades motivacions, des de l'interès estètic al sociològic, de la nostàlgia a l'oportunisme".^[58]

Llenguatge

Per a Oscar Masotta, la qual cosa determina en primer lloc el valor d'una historieta, és el grau en què permet manifestar i indagar les propietats i característiques del llenguatge mateix de la historieta, revelar a la historieta com a llenguatge.^[59] Jean Giraud afirma que

Iconografia

Històricament, els personatges tipus han estat molt importants per al mitjà, ja que el lector "desitja, vol i espera que el "bé" posi cara de bo, i el "dolent" tingui cara de dolent".^[61]

En la historieta es figura, "amb mitjans estàtics, el moviment real", usant tècniques que ja van practicar els futuristes.^[62]

Text

El text no és necessari, però sol estar present, ja sigui en forma de globus o entrepans, cartelas, textos solts i onomatopeias. Les paraules aquestes pels personatges solen recollir-se en els globus, tret que es presentin fos per indicar que han pujat el to de veu.

Tots els textos solen estar escrits en majúscules i les diferencies tipogràfiques, de grandària i grossor serveixen per destacar una paraula o frase, i matisar intensitats de veu. Masotta estableix referent a això un esquema amb 7 oposicions:

• Diàleg - "Off"
• Llenguatge interior - llenguatge proferit.
• Llenguatge normal - llenguatge excepcional.
• A prop - lluny
• Globus - Extra-globus.
• Línia recta - línia sinuosa (o en zig-zag, o estavellada, etc.)
• Tipografia normal - tipografia excepcional.^[63]

Articulació narrativa

Tota historieta és una narració gràfica, és a dir, realitzada mitjançant dibuixos, i no una sèrie de il·lustracions el mèrit de les quals radiqui en elles mateixes, de tal forma que "cada quadre o vinyeta ha d'estar relacionat d'alguna manera amb el següent i amb l'anterior".^[64]En afortunada expressió de Roman Gubern, la vinyeta és la representació gràfica del mínim espai i/o temps significatiu. A l'espai que separa les vinyetes se li coneix com a carrer^[65] i al procés pel qual el lector supleix aquest buit se li denomina tancat. McCloud distingeix 5 tipus de transicions entre vinyetes:^[66]

• 1. Moment a moment.
• 2. Acció a acció.
• 3. Tema a tema.
• 4. Escena a escena.
• 5. Senar-sequitur.

Com més gran sigui el format i el nombre de signes icònics i verbals, més temps i atenció haurem de prestar a una determinada vinyeta. La historieta usa variacions del angle visual, enquadrament i plans, termes aquests que ha pres del cinema, per dinamitzar la narració.

Relacions amb altres mitjans

Pel caràcter del seu llenguatge, la historieta es relaciona amb:

• Caricatura
• Cinema:
• Cinema d'animació
• Fotografia:
• Gràfica
• Il·lustració publicitària:
• Literatura

Donada l'antiguedad i el prestigi de la literatura, "qualsevol relació propera entre un i un altre, es veu amb bons ulls, perquè, se suposa, dóna “categoria” a la nena”".^[67]En la historieta, no obstant això, "els textos no viuen una vida pròpia en el seu interior" com sí ocorre en la literatura.^[68]

• Música
• Pintura
• Televisió

Estils

En un apartat anterior de la secció d'història, ja s'ha esmentat la revolució que en els anys 30 del passat segle, va suposar la imposició d'un nou tipus de grafisme realista per als còmics "seriosos" en detriment del grafisme distorsionat i caricaturesco que havia predominat fins llavors. En realitat, els estils gràfics usats pels historietistas són tan variats com la intenció i l'habilitat de l'autor, distribuint-se aquests dins un triangle format per tres vèrtexs (abstracció, realitat i llenguatge)^[69] que comprèn des del realisme de filiació fotogràfica (Luis García, Alex Ross, etc), a la caricatura.

En una mateixa vinyeta poden combinar-se a més diversos estils. McCloud denomina efecte màscara a la combinació d'uns personatges caricaturescos amb un entorn realista que podem observar en la línia clara o el màniga clàssic de Osamu Tezuka.^[70]

Malgrat tamañas possibilitats, els dibuixants clàssics procuraven mantenir sempre un mateix estil al llarg de tota la seva carrera, hagut de potser a imposicions de les seves syndicates. Un autor més modern, com l'espanyol Josep María Beá, malgrat estimar granment als quals li van precedir, considera que "l'estil, quan es perpetua indefinidament i no evoluciona, és signe de fossilització, d'amaneramiento".^[71]

Vegeu també

• Humor gràfic
• Dia de la Historieta
• Wikiproyecto:Historieta

Referències

Bibliografia recomanada

Ens referirem aquí als estudis de teòrics hispans. Sobre la història del mitjà, podem citar:

• La historieta al món modern (1970) de Oscar Masotta;
• La col·lectiva Història dels Comics (1982), dirigida per Javier Mengi, encara que la majoria dels seus articles procedeixin d'especialistes forans i concedeixi un espai desproporcionat a la historieta nord-americana.

Sobre el llenguatge del mitjà:

• Tècnica de la historieta (1967).
• El llenguatge dels comics (1974) de Román Gubern;
• Per fer historietes (1978) de Juan Acevedo.

Enllaços externs

• Portal:Historieta Contingut relacionat amb Historieta.

Wikcionario

• Fitxer:Wiktionary-logo-és.png Wikcionario té definicions per historieta.
• Wikimedia Commons alberga contingut multimèdia sobre Historieta.Commons

dóna:Tegneserieaneu:Komikmwl:Banda Zenhadavaig veure:Comic

This page is based in an article from Wikipedia (please colaborate or donate).
Reutilization of the present article (modified or copied) is encouraged with the only conditions of adding a link to this page and to keep the same license.